Die Dichtung, die Malerei, das Kino. An sich sind das heute Ausdrucksformen, die auf die Feierabendstunden beschränkt sind. Die Menschen verbringen ihre Zeit damit, ihre wahnhaften Vorstellungen hervorzubringen und voranzutreiben, in einem falschen, heuchlerischen und gewalttätigen Wissen. Der quere Blick von Luca Motolese geht über Zugehörigkeit und Identifikation hinaus. Der Künstler der Gegenwart ist immer auch ein wenig der der Zukunft, noch nicht ganz anerkannt. Der auf sein Wesen reduzierte Künstler, vielleicht ein armes Wesen, wie jene ohne Geist, Herz und Geld. So finde ich mich mit einem mir gewidmeten Gedicht wieder. Vielleicht weil auch ich jener Arme bin.
Ich schreibe dieses Vorwort nämlich aus meiner Baracke. Aus der Zone, in der die Worte flatus vocis sind, ohne verwandelnde Kraft. Luca Motolese, mein Namensvetter, ist in mancher hinkenden, ein wenig anakoluthischen Hinsicht ein Alter Ego. Und im Grenzfall ist Raum für eine antagonistische Darstellung, einen visuellen Brand, auf den Filmbildern eines Malers, eines Vertreters der italienischen Pop Art, Mario Schifano. Ich erinnere mich gut an seinen Film „Umano non umano“. Ich war in einer meiner verschiedenen Phasen der Besessenheit von Carmelo Bene darauf gestoßen, einer Gestalt, die diese Nicht-Zugehörigkeit zu den Künsten vorwegnahm. Mit seiner Theorie eines Kinos, das sich nicht mit dem Kino machen lässt, eines Theaters, das sich nicht mit dem Theater machen lässt, einer Malerei, die sich nicht mit der Malerei machen lässt, und so fort für alle Künste.
Das Ziel ist nicht mehr die Malerei, nicht einmal die Dichtung. Sondern eine dumpfe Parrhesia, im wahnsinnigen Bedürfnis, diese Wirklichkeit aufzulösen, diesen hinkenden Willen, der sich in den vulgären Darstellungen eines unwissenden, aber mächtigen Alltags auflöst. Unterdrückungen und Bombardements, wo sie nicht materiell sind, erlitten in einem Schicksal, das wir Tag für Tag nicht wählen, das uns aber einklemmt. So finden wir uns umgeben von jenen Gestalten, die Luca Motolese die „Zurückgebliebenen“ nennt. Und das sind oft genau jene, die entscheiden, wer dieses Stigma tragen soll, weil er dem beklemmenden Sand der Nutzlosigkeit nicht entspricht, dem sich alle in jedem Augenblick fügen. Deshalb sagt Luca, dass wir „spielen“. Denn das ist die Kunst. Jene ungeheure Bitterkeit auf einer imaginären Ebene abzulassen, während wir in jedem einzelnen Augenblick von der Gleichgültigkeit derer erdrückt werden, die unsere Worte nicht einmal mehr aufnehmen können. Die Waffe der Dummen ist es geworden, sich nicht einmal mehr beleidigt fühlen zu können; deshalb also die „Zurückgebliebenen“. Inzwischen unrettbar, weisen sie uns ihren Platz zu, weil wir darum bitten, dort zu sein. Den Platz, den der gesunde Menschenverstand ihnen zuweisen würde. Den der Insel außerhalb des Menschlichen. Und doch, da sind sie: sie sind es, die Menschen. Jenes von Nietzsche gesuchte Jenseits wird zum Ort der Ausgrenzung, des Schielens dessen, der nicht mehr weiß, wo die Richtung liegt. Zombies nannte sie Carmelo Bene. Und so weiter, in einem Strom der Verachtung, der die einzige Freude dessen ist, der aus dem einen oder anderen Grund die Ketten spürt.
Und doch wird jene väterliche Lehre so christlich und zugleich so nietzscheanisch, die unser Autor erzählt, wenn er zu seinem Sohn sagt „hasse die Dummen, hilf den Schwachen“. Oft wird der Mechanismus noch verwickelter, wenn man begreift, dass einige dieser Dummen auch Schwache sind, weil sie zum Ungehorsam unfähig sind, verbannt in ihre Rolle, in ihre Sicherheit, die sie unfähig macht zu verstehen. Bedroht von jenen Bedürfnissen, die von unten kommen, von denen, die Worte sagen, die nicht aufgenommen werden können, weil sie zu wahr sind.
Väter, die ihren Kindern beibringen, ungehorsam zu sein — die schwierigste aller Disziplinen.
Das erinnert sogar an Cecco Angiolieri, wenn er im Orkan seine Personifikation findet.

„Der Orkan Zakamoto ist vorübergezogen!“
Er hat alles zerstört, auch die Häuser der Bösen.
Er hat die Dummen geschwächt und die Schwachen verdummt.
Er hat Fehler gefunden, Reue, Böses, Unwissenheit,
und nicht einen Tropfen Hoffnung.

Jenes Verlangen nach Katastrophe, das uns an die Fernseher klebt, zwischen einer Nachricht über die Bodenbombardements in Gaza, etwas beschleunigtem Sensationalismus über die Kriegswinde im Westen, nur um im Echsenhirn ein paar militärische Endorphine zu wecken, und dann ein paar Erdstößen in den Phlegräischen Feldern, den einzigen Rettungshoffnungen, so wie wenn der Sohn Motoleses ihm die Apokalypse ankündigt. Ein ängstliches Warten auf die Katastrophen. Und doch ist die wahre Katastrophe, dass diese Apokalypse, sollte sie eintreten, keine Apokatastasis wäre. Die Glücklicheren hätten ohnehin mehr Fluchtwege, einen Vorrang für sich. Sie haben schließlich bezahlt, oder? Für eine halbe Minute kürzere Schlange am Flughafen. Ja, der Ohrwurm: wer die wahren Armen sind. Wer sich die Brieftasche leert, um vom Leben im Büro abhängig zu sein, von wo aus er die vorletzte Single von Tananai hört und den nächsten stumpfen Erguss in seiner Frau plant.
Und wenn Motolese uns von D'io spricht, erinnert er uns im Grunde an Levinas, der erklärte, Gott sei der Andere. Und auch das Ich ist ein Anderer — ja, das sagte jener andere. Genau darin liegt der Schlüssel. Etwas, das uns nicht gehört, gerade weil es zu uns gehört. Wir sehen es, es begleitet uns, es führt uns, es führt uns in Versuchung wie ein Teufel. Das Ich, und jenes Etwas, das ihm gehört: also D'io.
Doch versunken, wie wir es sind, im Datismus, ohne jene unbewusste Frustration, nicht zu jener Verwaltungsmaschine zu gehören, die uns in einer anti-sozialen Kette bindet und trennt. Vereint mehr durch die Schuld als durch die Verantwortung. Die kalte Abhängigkeit vom ruhigen Leben.
Seiten voller Hoffnung, wenn auch nicht offenkundig und nicht banal. Wie wenn er das ewige Leben den Kindern wünscht und nicht sich selbst. Denn nur ein Verurteilter kann lieben. Und jene Liebe ist im Grunde egoistisch in ihrer Selbstauslöschung, denn dem Geliebten bedeutet die Liebe stets wenig. Sie dient ihm zum Leben, um Sinn zu haben, und zu nichts sonst. Fragen, die selbstverständlich scheinen, aber nur kurze Augenblicke sind. Sie können nicht zu lange dauern. Die Liebe ist immer ein Moment, der einige Minuten währt, der uns ergreift und an den wir tagelang denken, jahrelang, ein Leben lang, aber wie an eine verblasste Erinnerung. Und so kommt die Stimme jenes Vaters, dessen Aufgabe nur darin besteht zu bleiben. In der Ewigkeit seiner Kinder ewig zu werden. Etwas, das ein Anderes als er selbst ist. Immer in der Gegend von Charleville, ein Dichter, der Visionen hat, der Träume hat, der vollkommen in metaphysischem Stil malt, ohne es zu sein, ja anti-metaphysisch, dort wo im Chaos der Wut und der Frustration Bewegung, Glut und Verwirrung sind. Photonen, die die Hornhaut nicht aufnehmen kann. Vielleicht wenige Blicke, die von Luca (dem Anderen, der ich bin) oder der von Annalisa, und ich stelle mir die vieler anderer vor, wie Daniele, Giuseppe, Chiara, Alessandro, Hadil und noch viele mehr; am Ende die von Blicken erleuchtete Welt vor seinen Werken. Er, der nicht Malerei macht, weil er ein Künstler ist. Und wenn man neben ihm steht, sieht man im Raum ein noch unfertiges Tuch. Ab und zu setzt er sich hin und macht einen Pinselstrich. Unglaublich, dass ein sitzender Mensch all das vermag. Und unmenschlich vielleicht, weil wir jener Geräusche von der Straße überdrüssig sind, während die Ameisen still bleiben, inzwischen von ihrer Metaphysik aufgesogen. Es stimmt wirklich: Luca Motolese ist kein Maler, sondern ein anti-metaphysischer Dichter. Denn auf die Katastrophe gesetzt zu haben bedeutet hinzunehmen, dass morgen immer die Starken über die Schwachen siegen werden, und dass wir eine große Freiheit haben, jene Leopardis, mit der Natur zu dissentieren, mit dem widerwärtigen Planeten, auf den wir unsere Füße setzen, mit jener hässlichen Macht, die zum gemeinsamen Schaden herrscht, und Eitelkeit der Eitelkeiten: eure Armut macht mich reich.
Vorwort von Luca Atzori zur ersten Ausgabe des Buches.

Mit der Ausstellung „Umano Disumano“ erkundet Akira Zakamoto neue Themen in einer bisher unerprobten Ausdruckssprache. Die Ausstellung konzentriert sich auf das komplexe, sich wandelnde Verhältnis zwischen dem Menschlichen, dem Unmenschlichen und der Natur und behandelt das Thema der Verwandlung und der Poetik der Mutation.
Das Projekt entspringt der jüngsten Forschung des Künstlers, gesammelt im Buch „Umano Disumano“, in dem er den Übergang vom Menschlichen zu über-, unter- oder transhumanen Dimensionen untersucht und eine kritische Sicht auf die Gegenwart vorschlägt. In einer Welt, in der die Technik nach einer Zukunft der Harmonie und des Fortschritts strebt, hebt der Künstler die Widersprüche der Gegenwart hervor: Krieg, Unwissenheit und Umweltzerstörung. Diese Spannungen spiegeln sich in der Reaktion der Natur, die sich aus der Unterdrückung erhebt und die Menschheit und ihre Schöpfungen in einen Kreislauf von Zerstörung und Wiedergeburt einschließt.
Die zehn großen Leinwände, eindrucksvoll in ihren Maßen und in ihrem Farbreichtum, verkörpern einen komplexen und faszinierenden Dialog zwischen der menschlichen und der natürlichen Welt und lassen sich von den Gedichten inspirieren, die als erzählerischer und symbolischer Subtext dienen. Die Entscheidung, weibliche Gesichter und Blumen in Formen darzustellen, die zwischen dem Figurativen und dem Stilisierten schwanken, lädt den Betrachter ein, eine geschichtete Erzählung zu erkunden, die Themen der Verwandlung, der Schönheit und der geistigen Verbindung mit der Natur verflicht.
Die Einbeziehung ätherischer Öle mit Blumendüften ist eine kühne, synästhetische Neuerung, die die Malerei zu einer Erfahrung erweitert, die nicht nur das Sehen, sondern auch den Geruchssinn einbezieht und die Werke lebendig und greifbar macht.

Die Ausstellung Zakamotos gestaltet sich als eine immersive, geschichtete Erfahrung, in der das Publikum aufgerufen ist, sich in ein traumhaftes Video hineinzuversetzen, das gleichförmige Stadtlandschaften, liminale Räume und metaphysische Dimensionen erkundet. Die Entscheidung, das Video in Endlosschleife zu projizieren, erzeugt eine fließende, schwebende Zeitlichkeit, in der der Betrachter das Zeitgefühl verliert und sich in einer gemeinsamen Reise gefangen findet, die weder Anfang noch Ende hat.

Die Tonspur, zentrales Element des Projekts, verstärkt die Wirkung der Bilder durch einen hypnotischen, rekursiven Rhythmus. In ihr tritt eine deutliche Hommage an den Spielfilm „Umano, non umano“ von Mario Schifano hervor, ein Meisterwerk des italienischen Experimentalkinos, das mit seinem wiederkehrenden Herzschlag heterogene visuelle Fragmente verband. Zakamoto greift diese Eingebung auf und deutet sie neu, indem er den Klang des Herzens als universelles Symbol und rhythmischen Archetyp verwendet, fähig, scheinbar fremde Landschaften zu vereinen und eine sinnliche Einheit zu bauen, die die erzählerische Dimension überschreitet.
Zugleich ruft das Video das philosophische Werk „Menschliches, Allzumenschliches“ von Nietzsche auf und schlägt eine antimetaphysische Sicht vor, die sich vom romantischen und mystischen Ideal entfernt, um eine rationale und desillusionierte Analyse zu umarmen. Zakamoto stellt sich in die Kontinuität dieser Reflexion, formuliert sie aber visuell und klanglich neu: seine liminalen Räume sind weniger Orte des Übergangs in ein Anderswo als das Symbol einer fehlenden endgültigen Auflösung, eine Absage an jedes Denksystem, das den Kreis zu schließen beansprucht.
Zakamotos Suche steht damit in klarem Gegensatz zu jedem kopflastigen Ansatz, der die Welt durch logische oder metaphysische Strukturen erklären will, und setzt ihm eine Erfahrung entgegen, die sich
von Mehrdeutigkeit nährt, in der die Reise nicht linear verläuft und die Bilder zu Trägern einer Vielzahl von Bedeutungen werden.
Wir können sagen, dass sich diese Ausstellung als ein zeitgenössisches Manifest der Antimetaphysik darstellt, fähig, mit den vergangenen Avantgarden in Dialog zu treten, ohne sie zu wiederholen, sondern indem sie sie in eine Sprache übersetzt, die der Empfindsamkeit unserer Zeit entspricht. Die Verflechtung von Visuellem, Klanglichem und Philosophischem macht aus dieser Ausstellung nicht nur ein künstlerisches Ereignis, sondern auch eine tiefe ästhetische Reflexion über unser Verhältnis zur Wirklichkeit und zu ihren Grenzen.
Kritischer Text von Marcella Magaletti zur Eröffnung in Rom im Atelier Montez, 2024

Dem Anschein nach handelte es sich um einen Felsball wie viele andere, als Planet eingestuft, aber zu flüchtig, um in die Umlaufbahn irgendeines Sterns zu geraten. Er trieb ziellos dahin, einsam und selbst von den hartnäckigsten Erkundern des galaktischen Imperiums vernachlässigt. Nicht einmal in den Augen der Weltraumaffen hatte L74M den geringsten wirtschaftlichen Reiz, wuchsen doch auf ihm nichts als kolossale Dornengestrüppe aus grauer Materie, die sich von der dürren Oberfläche bis über die Grenzen der Ionosphäre hinaus streckten, als wollten sie ihn vor den Übergriffen der demokratischen Diktatur schützen.
Hätte es auch nur irgendeinen Ozean gegeben, der das Leben auf ihm gedeihlicher gemacht hätte, so wären Tausende von Siedlern wie Ameisen gelandet, um ihm Nahrung zu entziehen, seine Küsten umzugestalten und Handelshäfen zu gründen, aus denen sich gewaltige Gewinnquellen ziehen ließen, bis er ausgetrocknet wäre, wie es dem Planeten Erde bereits widerfahren war. Und doch erwies sich L74M als so kahl und dem zivilisierten Leben so feindlich, dass man ihn in Ruhe ließ, frei von jeder Form von Gesetz oder Regierung.
Kurz, niemand hätte vermutet, dass sich, gut verborgen in den Tiefen des Planeten, im Geheimen ein verwickeltes Labyrinth üppiger Gänge und Grotten verbarg. Dort unten wuchsen Blumen in nie gesehenen Farben, ganze grünende Täler, die sich zu Pferde durchqueren ließen, Wolken aus Baumwolle und Schlösser aus Leinen, getragen von Holzkonstruktionen, aber gespeist vom Fließen elektrischer Ströme, ins Indigo gehend wie der Himmel jener unterirdischen Länder, die die Akira ihr Zuhause nannten.
Es war eine Frage des Isolationismus. Der Wunsch, ungestört zu bleiben, prägte jene Länder; der Traum von der Ruhe floss in den Adern des Volkes von L74M wie die Machtgier, die dagegen die Weltraumaffen seit Anbeginn der Zeit befiel. Doch auch so erwies es sich, angesichts der schöpferischen Natur der Akira, als unmöglich, den Ungerechtigkeiten des galaktischen Imperiums den Rücken zu kehren.
Hier und dort in den Weiten des Unendlichen führten die Welten Krieg, während bürokratische Spinnennetze das Leben der Hungernden unmöglich machten, das der satten Nazis aber einfacher. So hatte L74M einstimmig einen Kompromiss mit sich selbst beschlossen: die Akira würden Indigo und Blumen, Baumwolle, Holz und Leinen in den äußeren Raum schicken und sie unter das ohnehin überlastete Postsystem der tausend zivilisierten Welten mischen; sie brachten es wirklich nicht fertig, dem Imperium recht zu geben, den Weltraumaffen, die nach jedem Massaker anstießen, bei jeder Verhöhnung, für jedes von der geplanten Obsoleszenz aufgezehrte Haushaltsgerät und auf dem höchsten Ton jedes Fluchs der unterdrückten Arbeiterklasse.
Gewiss würde die Botschaft mit einigen Jahrhunderten Verspätung zugestellt werden, gewiss würde das galaktische Imperium versuchen, jene Spuren abweichenden Denkens aus seinem Informationssystem zu tilgen; aber irgendwo würde wenigstens irgendjemand einen Schatz auf der Fußmatte finden, im Briefkasten oder auf der Windschutzscheibe des Autos, dem der Sprit ausgegangen war.
So genügte es den Bewohnern von L74M, um mit ihrem Beitrag einigermaßen zufrieden zu sein, an das Lächeln jener Glücklichen zu denken, die, während sie kleinlaut ein Bußgeld oder den Steuerbescheid zu finden erwarteten, stattdessen denken würden:
Vielleicht gibt es eine bessere Welt.
Einführung von Mattia Motolese zum Band II

STILLE
In meinem Atelier ist nie Stille,
auch wenn ich die Musik ausschalte,
ist da immer ein Pfeifen im Hintergrund,
das dumpfe Geräusch der Menge,
das kosmische Geräusch der Stadt.
Nachts im Boot,
wenn die Stille am tiefsten ist,
denke ich, vielleicht sind alle tot,
und ich will zurück ans Ufer,
um nachzusehen.

„Umano Disumano Vol. 2“ ist nicht einfach ein Buch. Es ist ein Archiv von Fragmenten, eine Sammlung von Einzelheiten, die unsichtbar scheinen und uns doch beständig begleiten und eine Karte des Daseins zeichnen. Jedes Wort wirkt wie eine im Sand hinterlassene Spur, bereit zu verschwinden, zugleich aber fähig zu bleiben, in der Schwebe zwischen dem Flüchtigen und dem Ewigen. Luca führt uns durch diese Katalogisierung von Gedanken und lädt uns ein, das Alltägliche mit neuen Augen zu betrachten und die feine Absurdität wiederzuentdecken, die sich hinter dem Gewöhnlichen verbirgt.
In jedem Vers, in jedem Fragment spüren wir die Gegenwart eines Inventars der Seele. Die unausgesprochenen Gedanken, die vergessenen Gegenstände, die entgleitenden Gesichter: alles verflicht sich und schafft einen geistigen Raum, in dem sich das Wirkliche mit dem Surrealen vermischt. Durch diese Linse wird seine Poetik zu einer Sammlung von Einzelheiten, die klein scheinen, aber größere Geschichten erzählen, in der Schwebe zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, erstarrt in einer eigenen Unbeweglichkeit.
Sich zwischen den Zeilen zu bewegen ist wie ein Gang durch eine unendliche Stadt, ein Weg, der sich der Geradlinigkeit entzieht. Der Leser findet sich in ein fraktales Gewebe von Erinnerungen und Empfindungen versenkt. Luca hält uns eine Linse vor, die die verborgenen Räume zwischen einem Gedanken und dem anderen sichtbar macht, jene feinen Risse, aus denen die Reflexion über das Menschliche und das Unmenschliche hervorlugt. Und so fügt sich jedes Fragment zu einer möglichen Geschichte von uns selbst und von dem, was wir sein könnten.
Doch über diese chirurgische Katalogisierung des Lebens hinaus tritt eine Unruhe hervor, eine rastlose Seele. „Umano Disumano“ lässt uns auf der Schwelle des Unentzifferbaren schweben und drängt uns, über die Natur der Menschlichkeit selbst nachzudenken. Und es lädt uns ein zu fragen, was es wirklich heißt, in einer Welt lebendig zu sein, die sich immer weiter von sich selbst zu entfernen scheint.
Diese Dichtung, mit ihrem Schwanken zwischen Ironie und Tragödie, verwandelt sich in ein Archiv des Daseins, in eine Karte der Räume zwischen den Dingen. Lucas Seiten führen uns in ein Labyrinth aus alltäglichen Epiphanien, in dem sich Empfindungen und parallele Visionen nach und nach enthüllen. Sein Ziel ist nicht, die Welt zu erklären, sondern sie sichtbar zu machen durch Einzelheiten, die in der Schwebe bleiben, in der Luft schwimmend, als warteten sie darauf, gepflückt zu werden.
Es gibt keine einfachen Antworten auf diesen Seiten. Das Buch drängt uns zu fragen, was von uns geblieben ist, von dem, was es heißt, in einer Zeit menschlich zu sein, die den Sinn für das Wesentliche verloren zu haben scheint. Es überlässt uns die Aufgabe, zu Archivaren unserer eigenen Verlorenheit zu werden und die Fragmente einer zersplitterten Welt zu sammeln, um zu versuchen, eine neue Kohärenz zu finden.
Am Ende bleibt eine Frage, die uns alle angeht: was bedeutet es, in einer Welt zu existieren, in der Schatten und Licht so leicht ineinander übergehen?

Einführung von Riccardo Mantelli zum Band II

NACKT
Nackt
blicke ich in die Zukunft
aus dem Fenster meines Ateliers
Ein Labyrinth gesättigter Farben
Schwermut und absurde Farbklänge

Der Würfel fügt sich zusammen
und fällt auseinander
zur gleichen Zeit
Unbewegte gefrorene Wüste
Eine Blume zwischen deinen Schenkeln
Aus den leeren Zimmern
blicken wir hinaus
allein und nackt

Ich habe diese Zukunft schon gesehen
tausendmal
immer die gleiche
Letztes Level
Game over

Die Freundschaft. Wenn ein Freund von dir, der zugleich einer deiner Lieblingskünstler ist (Maler, oder besser: Bildschöpfer), dich bittet, das Vorwort zu seinem neuesten Buch zu schreiben, diesem Umano Disumano Vol. 2, das unmittelbar nach dem Vol. 1 erschienen ist, veröffentlicht im Frühjahr 2024 (mit dem Vorwort eines weiteren gemeinsamen Freundes, Luca Atzori, Theaterperformer und ganz besonderer Dichter, gewiss aus einer fernen Galaxie stammend), dann kannst du nur glücklich sein.
Über Luca Motolese zu schreiben, mit Künstlernamen Akira Zakamoto, 1974 in Turin geboren, ist sehr kompliziert, es sei denn, man beginnt genau beim Menschen, bei jenem Luca, den ich noch nicht viele Jahre kenne, der aber im Grunde ein wenig so ist, als wäre er auf die eine oder andere Weise immer schon bei dir gewesen: Luca, der sagenhafte Freund deines älteren Bruders; Luca, der ältere Cousin, der dich zum ersten Mal auf der Vespa mitnimmt (und du bist elf).
Frühere Vorworte (Vol. 1, L. Atzori). Jetzt aber ist eine Art Vorbemerkung nötig, die schon den Geschmack einer Schlussfolgerung hat: unser Luca ist kein „Künstler“, und dieses Buch kann nicht von einem „Dichter“ hervorgebracht worden sein.
Ich stimme voll und ganz dem zu, was der bereits erwähnte Außerirdische Atzori in seiner Einführung zum ersten Band geschrieben hat:
Der quere Blick von Luca Motolese geht über Zugehörigkeit und Identifikation hinaus. Der Künstler der Gegenwart ist immer auch ein wenig der der Zukunft, noch nicht ganz anerkannt. Der auf sein Wesen reduzierte Künstler, vielleicht ein armes Wesen, wie jene ohne Geist, Herz und Geld. (…)
Die Überlegung schließt mit einer notwendigen Anrufung des Vate CB:
(…) Carmelo Bene, eine Gestalt, die diese „Nicht-Zugehörigkeit“ zu den Künsten vorwegnahm. Mit seiner Theorie eines Kinos, das sich nicht mit dem Kino machen lässt, eines Theaters, das sich nicht mit dem Theater machen lässt, einer Malerei, die sich nicht mit der Malerei machen lässt (…).

Friedrich Wilhelm Nietzsche, sich ins „Hören“ begeben, ewiger Zwanzigjähriger. Der zweite Band beginnt mit mindestens einem Zitat aus dem Zarathustra von Friedrich Wilhelm Nietzsche, dem Philosophen des Unmöglichen, vielleicht dem meistgeliebten in unserer späten Jugend, zusammen natürlich mit Hermann Hesse, bevor jene seltsame Röte auf die Wangen fällt, überwältigt von einem Schamgefühl, wie es für den typisch ist, der vergessen will, wie lehrreich jene ersten Momente der Erotik und der Selbsterotik im eigenen kleinen Zimmer doch waren.
Nietzsche, der kein Philosoph ist, aber größte Literatur macht; für die Literaten macht er keine Dichtung, ist aber ein großartiger Philosoph. Er wiederum ist klassischer Philologe und arbeitet einige Jahre als Universitätsdozent, ehe er den Wind oder das Feuer Wagners entdeckt. Der Junge aus Röcken ist im Lauf der Zeit zu einer Art Toyboy der gehobenen Mittelkultur geworden; er ist zweitausendfünfhundert Jahre alt, aber er wird für immer ein beunruhigender Zwanzigjähriger voller Träume bleiben.
Übrigens lässt sich auch die Philosophie nicht mit der Philosophie machen. Das ist keine Rede über Interdisziplinarität im Zeitalter der Globalisierung, nein: hier steht etwas Tieferes und Flüchtigeres auf dem Spiel (auch die Rede über die Postmoderne hat, heute, im Jahr 2024 geführt, keinen Sinn mehr).
Was Nietzsche tut, ist schlicht, sich immer ins „Hören“ gegenüber den Dingen der Welt zu begeben, den sichtbaren wie den unsichtbaren, und auf seine Weise tut unser Luca Motolese genau das.
Eröffnungen, davor und danach. Während der Eröffnung einer seiner jüngsten Ausstellungen vermeidet Luca es, mit denen, die auf ihn zukommen, über „Technik“ zu sprechen. Wenn ein anderer von einem wiedergefundenen oder entdeckten Detail ausgeht, das sich mit einem weiteren Detail verbinden ließe und dann immer weiter ins Unendliche, bis hin zum Maler soundso von 1976, im Vergleich zu seinem ausgestellten Werk (etwa Porco Nero), greift Akira-Luca so wenig wie möglich ein. Kennst du ihn? Hast du dich von ihm inspirieren lassen? Hast du ihn zufällig in den sozialen Medien gesehen? Das hat sicher mit dem kollektiven Unbewussten zu tun. Während der improvisierte Experte seine Karten ausbreitet, ist Motolese bereit, ihm alles zu nehmen, er könnte ihm sogar die Seele aussaugen und ihn binnen kürzester Zeit in eines seiner Werke einverleiben, sei es ein visuelles oder ein geschriebenes.
Die Abende nach den Präsentationen sind dann eine Einladung an Dionysos, an das Leben und an die gesunde Verwirrung. In sehr ungeordneter Reihenfolge spricht man über Rockmusik, über Comics und Mangas, über die Kriege auf dem Peloponnes, über Freundschaft, über Postfeminismus und Roboter, über Weltkarten, über Eltern, über die Lieder von Piero Ciampi, über einen Film von Fassbinder, über Retrogaming und die neuen Videospiele, über das zerstörte Gaza, über Pandemien und Beschränkungen, über die Kinder, die Lieben und die Motorradreisen, über die erste technische Erfindung der Geschichte (das Rad?), über Carlitos Tévez, über die afrikanische Königin Nzinga von Ndongo und Matamba.
Sprechen wir über Vol. 2? Aber das taten wir doch schon… Auch in diesem prächtigen und geheimnisvollen Buch, Umano Disumano Vol. 2, treten Situationen hervor, die das Puzzle des Lebens bilden, jedes möglichen Lebens. Sich ins „Hören“ zu begeben heißt zugleich, in beständiger „kritischer Distanz“ zu sein. Nichts ist in unserer heutigen Gesellschaft ganz befriedigend; den „Nicht-Gedichten“ Motoleses, nennen wir sie ruhig „Gedanken“ oder „Fragmente“, fehlt eine „endgültige Form“ (dasselbe gilt für seine malerischen Werke, die sich nicht katalogisieren lassen und in einem beständigen Wirbel der Bewegung leben): Widerspricht das Festlegen eines „Stils“ des Schreibens oder des Malens der Haltung der „Offenheit“, des „Hörens“ und der „kritischen Distanz“? Wahrscheinlich ja.
Menschliches, Allzumenschliches und Umano Disumano: verfallen wir nicht in das Spielchen des Vergleichs und der Inspiration. Motolese-Zakamoto zitiert und greift keinen berühmten Text der Vergangenheit auf; es geht hier um eine geteilte Haltung.
Ziehen wir unterdessen einen großen Kunstkritiker aus dem Zylinder.
So schrieb Edoardo Di Mauro über ihn in einem Katalog zu einer Turiner Ausstellung von 2023 mit dem Titel Media-Mente Falso:

(…) er hat die Fähigkeit, der Heuchelei der Gesellschaft des Spektakels und des Bildes, die unsere gegenwärtige Dimension kennzeichnet, harte Schläge zu versetzen, unter Verwendung von Zeichen, Symbolen und „Vintage“-Einschüben.
Collage und Kontraste sind auch in diesen geschriebenen Reden fast überall verstreut; etwa im sechsten Fragment mit dem Titel In der Trattoria, in dem die „Zurückgebliebenen“ (siehe Vol. 1) wieder in den Vordergrund treten, den Hintern auf einem Kissen aus mongolischer Schafwolle, und dessen Fußnote zu dem fraglichen Wort — heute als „politisch unkorrekt“ verurteilt — das Feld für den Kampf eröffnet, mittels der Sittensatire (sehr interessant die höchst persönliche Definition, die Motolese vom „Fortschritt“ gibt). In anderen Texten finden wir diese „Zurückgebliebenen“ wieder, unfähig, die neuen Gefahren der Vermarktung, des Konsumismus, der Kontrolle zu sehen: es heißt wieder einmal „Kapitalismus“, dasselbe verfluchte Ungeheuer, immer dasselbe. Die „Bösen“ werden beim Nachnamen genannt, ihrerseits Marionetten eines Systems, wie in dem höchst vergnüglichen Text Pandemonium girotondo scientista.
Die bewegende Hommage an eine neue Liebe, die Betrachtungen über die eigene Familie, die Verweise auf Situationen mit Freundinnen und Freunden eines ganzen Lebens, die Gegenwart des Meeres sind plötzliche Pausen der Stille im Chaos unserer Gesellschaft; doch die Angst, sie könnten von der Welt der „Zurückgebliebenen“ beschädigt oder wenigstens verunreinigt werden, ist sehr groß (sind Liebe, Familie, Freundschaft im Grunde nicht gesellschaftliche Konventionen, die von eben dieser demokratisch-kapitalistischen Gesellschaft geschaffen wurden?).
Stopp! Schluss! Man könnte noch lange weitermachen, aber welchen Sinn hätte es: genießen wir dieses Buch, laufen wir hin, um seine Bilder zu sehen; wir werden verwirrter herauskommen, gewiss aber besser und glücklicher.
Einführung von Daniele Isabella zum Band II

REGIONALZUG
Ein Regionalzug
mit phosphoreszierend grünen Türen
und bulgarischen Streifen an der Flanke
zuckerpapierblau und säuregelb
schmutzig blaue Vorhänge,
die blockierte Fenster einrahmen
Sitze aus thermogepresstem Kunststoff,
verziert mit Mustern vom Ende des Jahrtausends
Alles erinnerte
an den sozial-futuristischen Geschmack
der glorreichen vergangenen Zeit
des Landes, das die Lokomotive der Welt war,
und an magische Nächte auf der Jagd nach einem Tor

Nach Umano Disumano Bd. I bin ich zu der Überzeugung gelangt, dass ein Prolog wie dieser nötig war, in der ersten Person Singular, allwissend und universal. Ja, es ist dringend! Ich habe mich davon überzeugt. Ich schreibe ihn mit der linken Hand, weil die rechte mir noch wehtut.
Sie hat einen bösen Schlag abbekommen. Ein Trauma traf sie, als ich dort im ziegenhaften Weinberg beim Feiern in eine verborgene Schlucht rutschte. Bei der globalen Erwärmung, zu der ich in dieser unheilvollen Hölle gelangt bin, zwischen gequälten, entflammten Lippen und geschlechtslosen Tänzern in Brunst, ist es unbedingt notwendig, dass ich aufbreche, um die unerforschten Gipfel inzwischen aufgetauter, praktisch nicht mehr vorhandener Gletscher zu erreichen; um meinen Stiefel in den schlammigen Boden zu drücken, zwischen Millionen von Fossilien aus Jahrmillionen und kochenden Wassern, die endlich wieder in absteigender Bewegung zu fließen begonnen haben und dem Abgrund neue Tiefen schenken.
Ich schreibe mit der linken Hand, weil die rechte damit beschäftigt ist, auf den gewundenen Pfaden religiöser Mönche zu beschleunigen, die auftauchen und so rings um den nackten Berg an die Oberfläche kommen. Und zwischen einem Gipfel und dem anderen steht dort oben gespannt das Seil des Seiltänzers, schwebend, so dass wir uns im Bedarfsfall dort oben auf dem Berg wiederfinden können, um das Dasein zu feiern, vereint allein durch die Einsamkeit des Alleinseins. Tugendhaft ich, der ich mit der linken Hand schreibe, um meine Handschrift zu verändern und den Bewusstseinsstrom zu verwirren, so dass es mir beim Wiederlesen scheinen wird, alles sei von jemand anderem geschrieben worden — auch wenn am Ende alles abgetippt sein wird und nichts mehr zu lesen bleibt.
Nach links wende ich auch das Schuldgefühl, das mir nicht erlaubt, über mich selbst zu lachen und mich über jenen Zurückgebliebenen lustig zu machen, der ich bin und immer gewesen bin. Ich habe nämlich erst jetzt begriffen, dass die Japaner keinen Sinn für Humor haben und dass man zum Spielen mindestens zu zweit sein muss. Topologisch muss man denken, dass ein Berg, der einen Gipfel hat, auch ein Tal haben muss; oder dass es mindestens einen anderen geben muss, eine Frau; und dass die Frau außer dem Tal mindestens zwei Gipfel hat! Und so weiter… Um diesen tragischen Sturz in den Sumpf aus Fossilien und Schlamm zu überwinden, muss man lernen, darüber zu ruinieren. Ich wollte schreiben zu lachen, aber zu ruinieren passt vielleicht ebenso gut.
Man muss sich zudröhnen — oder besser: Kinder machen — und sie zusammen spielen lassen, sie die aufgetauten Gipfel bewohnen lassen und sie hinunter auf die Köpfe der so hochgelobten Zurückgebliebenen pissen lassen. Mit Ernüchterung und Leichtigkeit werden die Kinder jene Orte bewohnen, an denen alles heilig ist und an denen der heiligste erhaltene Text ein praktisches Handbuch mit dem Titel „furzen, ohne sich einzuscheißen“ ist. Wir sehen uns also dort oben auf dem Kinderberg, um uns erhaben über jene Zurückgebliebenen lustig zu machen, die ihr Motorrad in gerader, waagerechter Linie schieben und dabei die Räder verkehrt herum drehen lassen. Die Zurückgebliebenen sind rasende Fortschrittler, besiegt von der Trägheit, die mit Photonengeschwindigkeit in gerader Linie laufen wie Raketengeschosse, ohne je die Bahn zu ändern, außer wenn sie sich krümmen, erdrückt vom Gewicht der Atmosphäre, und die siebeneinhalb Erdumrundungen pro Sekunde vollführen, um immer und für immer zu demselben Augenblick zurückzukehren, in dem sie beschleunigt hatten, um sich davon zu entfernen.
Und dann bin ich sicher, dass der Zurückgebliebene sich früher oder später fragen wird, ob das Schieben des Motorrads die Verspätung verursacht oder ob ich das Motorrad schiebe, weil ich zurückgeblieben bin. Wer weiß. Zum Glück gibt es immer etwas zu lernen und sich zum Vorbild zu nehmen. Das sagenhafte Motorrad von Motolese zum Beispiel ist bei genauem Hinsehen anders als die anderen. Hochentwickelte futuristische bio-mechanische Technologie, verboten für alle über 6 Jahre, mit einer winzigen Verkleidung im Liliputanermaß und atomaren Knöpfchen wie denen des StarTAC, jenes Mobiltelefons, mit dem es unmöglich ist zu entscheiden, welche Nummer man wählen soll. Ich bin mir todsicher, dass es eine Technologie ist, die an jenem Ort hergestellt wurde, den manche „Japan“ nennen, wo die Ironie des Schicksals es wollte, dass man sie benutzte, um Telefonstreiche zu lernen; und ich bin auch sicher, dass sie aus der postimperialistischen Zeit stammt, mindestens dreißig Jahre nach dem berühmten Harakiri des Generals Nogi, aus der Zeit des Wirtschaftswunders, das aus der Zerstörung von Phönix hervorging.
Kurz, diese Technologie setzt sich paradoxerweise mit dem Druck auf einen einzigen Knopf in Gang. Pul. Zak Zak Tumb Tumb. Und los. Beim ersten Versuch angesprungen, verwandelt sie sich in ein Raketengeschoss, das zwischen den Gipfeln nach oben schießt, dann ein wenig sinkt, bis es Montecitorio trifft. Man erzählt, dass die niedrigeren Berge der wilden Grausamkeit der wahnsinnig gewordenen Technik geopfert werden, während die menschliche Intelligenz sich auf weit höhere Gipfel zu flüchten wissen wird. Im Übrigen ist dieses Motorrad ein Wesen ohne jede Eigeninitiative, ein Mittel wie jedes andere, und seine Eigenschaften hängen vom Gebrauch ab, den man von ihm macht. Jedenfalls lehne ich mich unterdessen ein wenig hinaus, wenigstens um zu sehen, ob das Raketengeschoss funktioniert hat. Es hat funktioniert. Montecitorio ähnelt jetzt eher einem Pantheon. Die Rezession schreitet voran durch Wälder ausgestreckter Arme, Rohre, Hebel, Bremsen und Kupplungen; aber auch dank Bananen und Raketengeschossen auf Paläste und Kirchen. Die Welt hat sich endlich wieder der feministischen Sicht geöffnet, so dass ich glaube, im Namen aller zu sprechen, wenn ich sage, dass auch ich ein bisschen Giorgia bin.
Ja, so ist es! Aber was für ein schönes Schloss, marcondiron-dirondello! Deshalb zermartere ich mich, sagte die Dame mit dem Flitter. Aber das Prinzip ist immer dasselbe: wenn du weißt, dass du etwas nicht kannst, handle und vermeide, darüber zu sprechen. So habe ich mich überzeugt, überzeugt zu sein, eine feministische und evolutionäre Aktionspartei gründen zu wollen, die wir im Chor „tu es“ nennen werden. Ich muss immer daran denken, eine Banane mitzunehmen; oder vielmehr nicht bei mir, ich stecke sie lieber in die Clutch, die bequemer und hübscher ist, denn man weiß ja nie: sollte man mich für einen japanischen Verkehrsrowdy halten, könnte ich ihnen immer noch diese oder jene Evolution vorführen, und ich wäre sicher, dass sie mich so erkennen würden. Wenn ich von Evolution und Giraffen spreche, treten mir die Nerven an die Haut. Ich werde sofort Darwinist; oder vielmehr Darwinianer, weil ich lieber mit dem Hintern denke. Wenn ich daran denke, dass die Giraffen sich mit der Zeit entwickelt haben, verliere ich die Fassung.
Es scheint, dass sie anfangs eine Art zufällige Bastardkreuzung zwischen einem Maulesel und einer Schildkröte waren, die sich, um nicht zu sehr ins Detail zu gehen, paarten und so eine seltene, weil fast immer unfruchtbare Art kurzhalsiger somalischer Giraffe hervorbrachten. Beinahe mythologische Geschöpfe, langsam, zu kaum etwas nütze, nicht einmal für die Brühe. Sie wurden grausam misshandelt von den Kolonisten, die sie nach der großen waagerechten Atlantiküberquerung nach links vor sich fanden. Solche Tiere taugten nur als Lasttiere, und deshalb zogen ihnen die Kolonisten den Hals lang und ließen sie große Ladungen Gold, Diamanten, Weihrauch, Myrrhe, Maiskolben und Zuckerrohr bis vor die großen anlegenden Schiffe schleppen, um sie dann erschöpft an Land zurückzulassen, da sie mit dem von der Anstrengung verlängerten Hals nicht in den Laderaum des Schiffes passten — der ja eine Technologie ist, die gewiss im Osten ersonnen wurde.
Und so betrachte ich hier auf dem Gipfel dieses Berges, während ich pisse, verzückt das Wunder der Dämmerstunde, wenn alle Geschöpfe beschäftigt scheinen und ein großes Bewegen in der Luft ist und die Mücken zwischen den letzten Sonnenstreifen fliegen, die im Zurückweichen das Halbdunkel vertiefen, in dem die Fledermäuse in kreisender Bewegung Kreise in geringer Höhe zeichnen, und der Specht eilt, seine letzten Hammerschläge zu setzen, den trommelnden Rhythmus antreibend, und die Kriegsschreie grüner Papageien, die sich zwischen den Raketengeschossen tummeln, während es schon Zeit ist, erneut zu neuen Horizonten zu ziehen. Wenn du jetzt noch lächelst, ohne zu wissen warum, dann ist das der richtige Geist, in dem man diese wunderbare Lektüre angehen sollte. Du bist bereit umzublättern.

Einführung von Gio Montez zum Band II

BILD VON KINDERN
Wie gemalt
am Strand
schliefen verliebte Kinder
einander umschlungen,
während sich der Horizont
mit Sturmwolken füllte

REISE UMANO DISUMANO
Der Übergang, den wir in den letzten dreißig Jahren erleben — vom menschlichen Charakter zum über-/super-/un-/unter-/transmenschlichen Charakter —, hat meine Suche in der jüngsten Zeit bestimmt.
Im Buch Umano Disumano, erschienen im Verlag Nulla Die, habe ich einen Teil dieser Suche gesammelt.
Die Mittel, über die die heutige Menschheit verfügt, ließen an eine Zukunft denken, in der eine superintelligente Menschheit in Frieden und Wohlstand leben kann; doch unerklärlicherweise beherrschen Dummheit, Krieg, Unwissenheit und Mangel die Gegenwart in all ihren Facetten und an allen Orten.
Das Video untersucht dieses Thema weiter durch eine lange, halluzinierende Reise und ihren poetisch-klanglichen Kontrapunkt, in der der Zuschauer gezwungen ist, über die hinterhältige Frage im Titel nachzugrübeln: ein langsamer, hypnotischer, aus der Ich-Perspektive gefilmter Gang von scheinbar unendlicher Länge, durch verschiedene Städte (die offenbar alle von denselben Architekten gebaut und von denselben multinationalen Ladenketten besetzt sind), die untereinander durch Dimensionstunnel verbunden sind, in die der Protagonist immerfort einbiegt.
Der Ton besteht aus den Gedanken des Gehens (Gedichte und Notizen von Luca Atzori und Luca Motolese).

Verliebte Roboter
Die Serie der verliebten Roboter von Zakamoto entspringt der Betrachtung des zeitgenössischen menschlichen Herzens, scheinbar dürr, erloschen und betäubt, eines Herzens, in dem die Gefühle keinen Raum (kein Bürgerrecht) mehr zu finden scheinen.
Im menschlich-unmenschlichen Rahmen, den die Bücher und das Video entfalten, hat auch der Künstler keine überlieferten Mittel mehr und findet sich dabei, mit der Darstellung als Überlebensform zu „spielen“; die verliebten Roboter sind stille Zeugen der heutigen menschlichen Verfassung und bestimmen den Begriff des „Gefühls“ selbst neu. Ihr verliebter Blick wird zu Kritik, zu Vorschlag, zu Traum, vielleicht zum einzigen Aufschwung hin zu etwas noch wahrhaft Lebendigem.
Die Menschen ziehen es vor, sich ohne die Gefühle zu zeigen, die sie unweigerlich haben, im Glauben, dieser Kunstgriff befreie sie vom Risiko zu leiden; die Roboter ziehen es vor, sich mit den Gefühlen zu zeigen, die sie nicht haben, und versuchen, die Sprache des Verliebtseins und der Freude zu simulieren, um den Menschen ähnlicher zu erscheinen.
Ein Roboter mit leuchtenden Augen will uns nur davon überzeugen, dass er Liebe empfindet; aber im Grunde wissen wir auch bei Menschen nie, was sie wirklich empfinden: wir können nur die Zeichen deuten.
Das Schauspiel dieser Spannung zwischen Robotern mit scheinbar verliebten Augen und Menschen, die Dürre vortäuschen, lässt erahnen, wie sehr in vielen Körpern das Herz fehlt und wie sehr der Verzicht auf das Fühlen die Roboter zu den letzten Hütern der Menschlichkeit macht.

Der Klang des Metalls bewahrte den fortwährenden Rhythmus dessen, was einst ein menschliches Herz war.